Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Tema del día: Tensiones e integraciones entre lo académico y lo popular. La filosofía de Rodolfo Kusch como exponente de las integraciones de las culturas europeas y latinoamericanas. Los “puchometrajes”, cine hecho por Kusch. Cines latinoamericanos que expresan tales preocupaciones. Planteos formales del “Cinema novo” y el “Cinema marginal”, en Brasil.
Durante el primer tramo del programa, charlamos en el estudio con Adrian Muoyo (@adrianmuoyo) - director de la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), periodista y redactor en "Hacerse la crítica", integrante de la red Bibliotecas Iberoamericanas de Cine (BIBLIOCI) y miembro de la Academia Porteña del Lunfardo – quien aportó su conocimiento sobre el pensamiento de Kusch. Se abordaron aspectos como la necesidad de su pensamiento en contraste con el relegamiento de su obra en el tiempo, su aporte de carácter nacional y latinoamericano, el concepto de fagocitación, la integración entre la “pulcritud” europea y el “hedor” americano, sus aportes filosóficos más allá de su mirada desde la antropología, el concepto de pueblo y los puchometrajes.
Muoyo se quedó todo el programa con nosotros, integrándose en el segundo tramo a la conversación con Emiliano Colavitta – Docente universitario con experiencia en comunicación en medios, estudiante de la Maestría en Docencia Universitaria en la Universidad Tecnológica Nacional (UTN), locutor, poeta; actualmente trabaja en la digitalización del archivo sonoro de Rodolfo Kusch para el programa “Pensamiento Americano” de la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF) (http://www.untref.edu.ar/pensamientoamericano/programa.php) - , quien nos contó sobre dicho proyecto además de referir a lo popular como “lo segregado de la clase media”, el viaje de Kusch a Perú y la reformulación de la idea de fragilidad, lo académico y la educación no formal, el interrogante sobre el hecho de “ser el otro”, el hecho de ensayar una palabra nueva, la “antropología filosófica” y el programa “Pensar en movimiento”. Colavitta recomendó especialmente el texto del filósofo: “Indios, porteños y dioses”. La página de la UNTREF donde hallar directamente el material de Kusch es http://untref.edu.ar/icaatom/index.php/fondo-rodolfo-kusch;isad
hace 1 año, 10 meses por LuisFrancCine - 71 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La torre de Babel del cine argentino”
Tema del día: Formas a través del tiempo en el habla del cine argentino. La tradición y sus quiebres. Relación con las formas actorales. La palabra autorizada. Formas regionales. Ciudad, ciudades, periferias.
Aprovechamos en esta ocasión la reciente publicación del libro “El cine como eco. Vaivenes de la lengua en el cine argentino” (coedición entre la Biblioteca ENERC INCAA y Ediciones CICCUS) de Fernando Varea - Licenciado en Comunicación Social (Universidad Nacional de Rosario), periodista e investigador especializado en medios audiovisuales, docente, colaborador en medios gráficos y programas radiales, programador de ciclos de cine, autor de “El cine argentino durante la dictadura militar 1976/1983” (Editorial Municipal de Rosario, 2006) y otras publicaciones, autor-editor del blog Espacio Cine (https://espaciocine.wordpress.com/) – a quien invitamos a exponer los tópicos centrales de su recorrido en el texto. De este modo, pasamos por las palabras que sobreviven o no al paso del tiempo en el cine argentino, los diferentes modismos y dialectos, la escasez de lo regional, el rol central de la generación del ochenta en la tradición de la lengua, las “palabras autorizadas”, los problemas que se plantean en las periferias que surgen en “Tire die” de Fernando Birri, el reemplazo de la idea de “evolución” de la lengua por “sacudidas”, el uso del lenguaje en “Pizza, birra, faso” en oposición a la tradición, el advenimiento del tango en el cine con la llegada del sonoro, el rol central de la radio y los radioteatros, los usos del lunfardo que aún se mantienen hasta hoy, el lenguaje en Leonardo Favio, el concepto de “actor popular” de Osvaldo Pelletieri en los personajes de Nini Marshall, la intersección de voces en “La ciénaga” de Lucrecia Martel, los usos de la política, la mención ambigua a Perón en “Los jóvenes viejos” de Rodolfo Kuhn y el tono crítico del Nuevo Cine Argentino de los sesenta.
Autores y películas que se mencionaron: “Nobleza gaucha” (Humberto Cairo, Ernesto Gunche, Eduardo Martínez de la Pera, 1915), “La guerra gaucha (Lucas Demare, 1942), “Tire die” (Fernando Birri, 1960), César González, “Pizza, birra, faso” (Adrián Caetano, Bruno Stagnaro, 1998), Pepe Arias, Carlos Gardel, “Así cantaba Carlos Gardel” (Eduardo Moreira, 1935), “El dependiente” (Leonardo Favio, 1969), “Se nos fue redepente” (espectáculo teatral de Nini Marshall comenzado a escribir en los años 40, y estrenado en 1973), “La ciénaga” (Lucrecia Martel, 2001), “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962).
hace 1 año, 4 meses por LuisFrancCine - 33 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Invisibilizaciónes y luchas"
Tema del día: Pensar el rol de las mujeres en el cine, con eje en las realizadoras. Cámaras de mujeres como posibilidades de lo múltiple. Mujeres y estereotipos. Los mundos de María Luisa Bemberg, Albertina Carri y Lucrecia Martel. La primera realizadora de cine sonoro en Argentina: Vlasta Veh.
Tomando como base el informe sobre mujeres directoras publicado en “Hacerse la crítica”, nos prestan su voz el crítico y editor de la página Gabriel Orqueda, a propósito de su texto sobre el cine de María Luisa Bemberg (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-maria-luisa-bemberg-por-gabriel-orqueda/), la Licenciada y Profesora en Artes Constanza Grela quien escribe sobre la obra de Albertina Carri (http://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-albertina-carri-por-constanza-grela/) y la crítica y ex co-directora de la revista “Pez dorado” Soledad Bianchi quien trabaja el cine de Lucrecia Martel (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-lucrecia-martel-por-soledad-bianchi/).
Durante el segundo tramo conversamos con la guionista y realizadora audiovisual Candela Vey, quien se encuentra dirigiendo junto a Tino Pereira el documental “Vlasta, el recuerdo no es eterno” sobre Vlasta Lah, primera directora de cine sonoro en Argentina cuyos dos largometrajes - “Las furias” (1960) y “Las modelos” (1963) – se encuentran disponibles en Youtube. Además de trazar una semblanza sobre la directora, Vey nos actualizó sobre el tratamiento de las mujeres en el trabajo de Lah para finalmente referir a su propio trabajo sobre la autora, actualmente en proceso.
hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 86 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La ciencia, a favor y en contra de la raza humana”.
Tema del día: Lo científico tomado por la literatura. De la literatura al cine. Integración de la ciencia ficción con otras estructuras. Distopías. Reformulación del género en el tiempo. Las guerras mundiales como bisagra.
Conversamos con Matías Carnevale (Facebook: “Nostromo, club de ciencia-ficción”) - Licenciado en Lengua Inglesa (UNSAM). Periodista cultural, autor de reseñas, entrevistas y artículos en Infobae, Ñ, La Voz del Interior y Le Monde Diplomatique Cono Sur. Autor de “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (2019). Coordinador de la publicación de ensayos “Ray Bradbury, el hombre centenario” (2020), “Exploraciones. Ensayos en torno a Pablo Capanna (Ediciones de la UNQUI) y “Pull my Daisy y otras experimentaciones: La generación beat y el cine” (Alción Editora) (2022) – quien se encargó de pensar con nosotros el vínculo temporal del surgimiento de la ciencia-ficción con el del cine durante el siglo XIX, la diferencias de las historias de ciencia-ficción ente aquel siglo con el siglo XX, la bisagra de las guerras mundiales y la bomba atómica, la idea de progreso indefinido, las historias en donde el género se ubica a favor de la raza humana y las que se inclina a su destrucción, la influencia del surrealismo en el género, los usos negativos del término “ciencia¬-ficción”, el rol de la posmodernidad, la relación con otros géneros como el terror, la idea de la conspiración como eje en algunos relatos, o de la manipulación por medio de la televisión, la mutación del rol de los superhéroes en el tiempo, Superman y el mito.
Películas y directores de cine citados: “Viaje a la luna” (Georges Melies, 1902), “Alien” (Ridley Scott, 1979), “Brazil” (Terry Gilliam, 1985), “2001: A Space Odyssey” (Stanley Kubrick, 1968), “E.T. El Extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), “V - Invasión Extraterrestre” (Kenneth Johnson, 1983) (serie), “Capricornio Uno” (Peter Hyams, 1977), “Videodome” (David Cronenberg, 1983), “Hallowen 3. Temporada de la bruja” (Tommy Lee Wallace, 1982), ”La sustancia maldita” (Larry Cohen, 1982), “Terminator” (James Cameron, 1984), “Twin Peaks - Tercera temporada (serie) (David Lynch, 2017), “Solaris” (Andrei Tarkovski, 1972), “Stalker – La zona” (A.T., 1979), “Alphaville” (Jean Luc Godard, 1965), “El mundo conectado” (Rainer Werner Fassbinder, 1973) (teleserie).
Textos y escritores citados: “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (Matías Carnevale, 2019), “De la tierra a la luna” (Julio Verne, 1865), “Los primeros hombres en la luna” (H.G.Welles, 1901), “Cyrano de Bergerac” (Edmond Rostand, 1897) (obra teatral), “Frankenstein” (Mary Shelley, 1818), “El Eternauta” (Héctor Germán Oesterheld/Francisco Solano Lopez, 1959) (historieta), Jonathan Swifft, Edgar Allan Poe, Isaac Asimov, Ray Bradbury.
hace 1 año, 4 meses por LuisFrancCine - 23 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc.
Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Percepciones del conurbano, de las más extendidas periferias locales”
El programa comienza con una semblanza sobre directores – Thomas Vintenberg, Lucrecia Martel - que piensan variadas formas de periferias con sus cámaras. La idea central del programa es pensar la periferia como concepto.
A tal fin conversamos con Raúl Perrone – destacado director argentino con cerca de setenta películas en su haber, oriundo del barrio de Ituzaingó donde no solo vive sino que lo elige como locación central de sus producciones en las que suele investigar con la cámara sobre los excluidos del sistema en sus devenires erráticos, filmando con bajo presupuesto como ética propia; también es dibujante y actor -. En ocasión de la salida a la venta de una compilación de textos sobre su obra por la editorial Accatone (@accatone20), se explayó sobre diversos aspectos de su trabajo desde los años noventa hasta la fecha. Contamos con la introducción de la editora Silvina Pachelo (@pachelox) y el aporte de Oscar Cuervo (@laotra21), en relación a ciertos equívocos de la crítica con respecto a la obra de Perrone, su soporte material y las estructuras de relato que utiliza.
Durante el programa, Perrone se explaya sobre cómo se hablaba de los barrios en aquellos primeros tiempos de su obra,- con San Telmo como recurrencia espacial central -, de aquellas terrazas en las que los niños jugaban, en contra el concepto de realismo, sobre las inconducentes brechas entre ficción y documental, los encasillamientos de los actores en determinados roles, sobre el conurbano como moda establecida desde clichés, los prejuicios que suelen esconder ciertos usos de términos como “conurbano”, “minimalismo”, “independiente”, sobre los usos del video y del digital en la actualidad, sobre las recurrencias inconducentes en el cine y en la escritura sobre cine, el uso de fórmulas, en contra del concepto de evolución, la dinámica de sus talleres de realización, sobre los problemas del cine con el advenimiento de las plataformas, el desfasaje entre sonido e imagen como modo estético, el trabajo sobre los cuerpos como epidermis, la decisión ética entre lo que se elige mostrar y lo que no, y contra la idea del casting para la elección de actores.
Autores, películas y series citadas: Lucrecia Martel, Thomas Vintenberg, “El fugitivo” (serie de Roy Huggins – 1963 a 1967) , “Adios al lenguaje”(Jean Luc Godard, 2014).
Películas de Raúl Perrone citadas: Labios de churrasco (1994), Cinco pal peso (1998), Pr1nc3s4 (2021), Sean eternxs (2022).
hace 1 año, 8 meses por LuisFrancCine - 15 reproducciones
Editorial: “El otro y lo mismo, desde el origen del cine”
Tema del día: La construcción del otro en el cine, desde su origen hasta los géneros tradicionales. Como aparece en el documental, en el terror, en el western. El otro como quien “me robó” mi Paraíso.
En el primer tramo del programa contamos con la palabra de Natacha Mell (@natachacine) - realizadora, antropóloga, ex directora de la Escuela de Cine de Avellaneda (IDAC), investigadora del Museo del Cine y redactora de las revistas “24 cuadros” y “Extremo Sur”, coordinadora editorial de la revista internacional de arte y cultura “Voces insurgentes” y participante en diversos espacios espacios radiales sobre cine, como la columna de cine de “Filosofía Rock” en Radio Caput (@filosofiarock) - , quien se encargó de definir la otredad en oposición a la mismidad, además de pensar las principales construcciones de la otredad en el cine, el caso del documental, el tópico del exotismo, los miedos que se construyen desde el cine de terror, el cine de Jorge Preloran como alternativa a la construcción de otro y el caso del cine fronterizo argentino con eje en Lucas Demare y “La guerra gaucha” (1942).
Durante el segundo tramo charlamos con Oscar Cuervo – filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra (@laotra21) (https://tallerlaotra.blogspot.com/) y especialista en la filosofía de Soren Kierkegaard, sobre el cuál escribió varios artículos y el texto “Kierkegaard. Una introducción” (Editorial Quadrata) -, con quien abordamos a las construcciones sobre el otro en el cine de géneros norteamericano, en especial en el western. En tal sentido referimos durante la conversación a la película “The taking” (Alexandre O. Philippe, 2021), que deconstruye al western como creador de un espacio ficcional mítico. Luego se avanzó sobre el cine de Clint Eastwood como continuidad de esa tradición, para concluir sobre el cine del israelí Avi Mograbi como apuesta a una forma que denuncia la otredad en su país. Estuvo presente también la reflexión sobre el escaso cuestionamiento a la construcción de otredad en el western por parte de sectores de la cinefilia.
hace 2 años, 3 meses por LuisFrancCine - 56 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "El ser del cine"
Tema del día: El cine, ante todo es percepción. La percepción como tema mismo en las películas.
Piensan el tema con nosotros el crítico, analista y docente Roger Koza y el cineasta y escritor Gustavo Fontán, con quien aprovechamos para charlar sobre "Maraña", compilación de ensayos de su autoría.
hace 2 años, 7 meses por LuisFrancCine - 118 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: “Toda acción es política"
Tema del día: Ningún cine escapa a lo político. Cines expresamente políticos. Costa Gavras y el cine militante. Reflexiones en torno a “Lo que el viento se llevó” (Victor Fleming, 1939). Cine político argentino: Grupo Cine Liberación y Cine de la Base. Trazado del concepto de autoría en el cine argentino a través del tiempo. Los casos de “Prisioneros de la tierra” (Mario Soffici, 1939) con el recurso a la tragedia; y de “Las aguas bajan turbias” (Hugo Del Carril, 1952), con el recurso al melodrama. Los “Nuevos” cines argentinos.
Contamos con la palabra de Charo Lopez Marzano – docente de Historia (UBA) y ensayista – en relación a sus textos “El Grupo Cine Liberación o la militancia denotada” (Revista Mestiza: https://revistamestiza.unaj.edu.ar/el-grupo-cine-liberacion-o-la-militancia-denotada/) y “Por las sendas argentinas. Un derrotero por el cine político-militante de Raymundo Gleyzer” (Revista Fotocinema: https://revistas.uma.es/index.php/fotocinema/article/view/5102/4794). Luego entrevistamos a Gustavo Aprea - Doctor en Ciencias Sociales (UBA), docente de Artes Audiovisuales y Crítica (UNA) e investigador – quien estableció un recorrido por la idea de autoría en el cine argentino y de las dimensiones de lo político con eje en su ensayo “La muerte y la resurrección del autor en el cine argentino: las lecturas del cine político y las vanguardias estéticas” (en “Imagen, política y memoria” Compilación de Ricardo Yoel).
hace 2 años, 6 meses por LuisFrancCine - 108 reproducciones
Entrevista a Alejandro Kaufman, Profesor universitario, crítico cultural y ensayista.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
La multiplicidad de lecturas de la realidad, hoy, y subrayo el “hoy”, pareciera generar un debate eterno, sin fin y quizás nada constructivo. En realidad no resulta un debate, sino una una puja de ideas relacionadas entre sí pero no articuladas. Algunos temas son abordados de manera estanca, como si las soluciones parciales desentrañasen el todo.
Sin embargo, ese todo no llega nunca. Y la compulsa, disfrazada de debate, no genera certidumbre, y menos aún la visualización de un camino a recorrer.
Es que el tiempo de la crisis llegó precipitadamente o inesperadamente, y aunque parezca una frase trillada, las duraciones de las crisis no son mensurables. Es por eso, que debemos replantearnos los términos, fijar las prioridades sobre las cuales debemos trabajar y fundamentalmente desdramatizar la realidad. Esto último, lo confieso, lo escuché de boca de nuestro invitado de hoy hace unos meses.
Y cuando la situación, el momento y las circunstancias se nos presentan como irresolubles, como dicen en la calle, hay que bajar un cambio, quitarle dramatismo, volver a ejercitar la mirada crítica, reconocer y mensurar las fuerzas en puja y ensayar caminos alternativos.
Las respuestas están, siempre están. Los tiempos de los cambios sociales, de los cambios políticos, casi nunca están sincronizados con los deseos y eso atenta con la tranquilidad de la generación que debe asumir esos cambios.
Quizás seamos nosotros la generación que deba ver alterada su tranquilidad. Nada de tarea fácil.
hace 1 año, 8 meses por LarryLevy - 27 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Latinoamérica: el todo y las identidades"
Tema del día: Pensar Latinoamérica desde su cine. Formas latinoamericanas. Temáticas y estéticas de la periferia. Latinoamérica, entre salas y festivales. La oposición a la mirada eurocéntrica. Modos de presentación de los ámbitos naturales. El Nuevo Cine Latinoamericano de los años sesenta como inflexión. Pensamiento de las imágenes latinoamericanas contemporáneas. Incorporación de nuevas tecnologías.
Entrevistamos a Francisco Álvarez Ríos, realizador ecuatoriano y programador del festival internacional “Cámara Lúcida” (https://www.ecamaralucida.com/). Luego contamos con la palabra del realizador y ensayista Gustavo Galuppo Alives, quien se explayó sobre su texto “Memoria vegetal. Variaciones sobre el (neo)realismo latinoamericano”, aparecido en la última edición de la revista Kilómetro 111 (http://kilometro111cine.com.ar).
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 81 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: ""Una cámara registra"
Tema del día: Surgimiento de los primeros registros. La observación convive con la puesta en escena. Alternativas del documental. El documental apócrifo. Períodos del documental a través del tiempo.
Contamos con la palabra de Luis Bernardez - director de "Los corroboradores" (2018) - con quien reflexionamos sobre el hecho documental y sus posibilidades, haciendo eje en su propio material. Luego entrevistamos a Emilio Bernini - Doctor en Letras (UBA) y editor de la revista de teoría cinematográfica "Kilómetro 111" - ,quien estableció los diferentes períodos del documental desde los comienzos del cine hasta el presente, tema trabajado extensamente en su ensayo "Tres ideas de lo documental. La mirada sobre el otro" (Kilómetro 111 - Número 7 - año 2014).
hace 2 años, 6 meses por LuisFrancCine - 60 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Del lenguaje al mito, del mito a la literatura. ¿Y el cine?”.
Tema del día: Puentes, vínculos posibles, anexiones entre literatura y cine. Posibilidades de transposición al cine de textos literarios. La especificidad del cine y de la literatura. Cine y literatura como artes autónomas. Poéticas.
En el primer tramo del programa charlamos con Roque Larraquy (@roquelarraquy) – escritor, guionista, docente de narrativa literaria y audiovisual, ex director de la Licenciatura en Artes de la Escritura (UNA), con tres grandes novelas publicadas y traducidas a varios idiomas: “La comemadre” (2010), “Informe sobre ectoplasma animal” (2014) y “La telepatía nacional” (2020) -. Con él pensamos a la literatura y al cine en sus especificidades, nos interrogamos acerca de por qué el cine tomó el camino predominantemente narrativo y de “artefacto comunicacional” en la búsqueda de un “decir” más nítido. Luego se dedicó a desarrollar que es lo que toma el cine de la literatura, las transposiciones y sus vínculos con el texto de origen. Cerramos la charla con la referencia a las películas de Gustavo Fontán centradas en textos poéticos, como “La orilla que se abisma” (2008).
Luego conversamos con David Oubiña – periodista, crítico, guionista, Dr. en Letras (UBA), investigador del Conicet, integrante del consejo de dirección de la revista “Las ranas”, autor entre otros de los libros: “Filmologías. Ensayos con el cine” (2000), “Jean Luc Godard, el pensamiento del cine” (2003), “Estudio crítico sobre ¨La ciénaga¨” (2007) y “El silencio y sus bordes. Modos de lo extremo en la literatura y el cine” (2011), del que nos ocupamos durante la charla –. La charla circuló por la integración entre textos literarios y películas que llegan a la desarticulación del lenguaje hasta llegar a un borde, el caso de la literatura y el cine de Samuel Beckett, sobre si es o no posible pensar en un relato independientemente de las formas, las gramáticas textuales y gramáticas visuales, la “fidelidad al texto” como idea absurda, sobre como Won Kar Wai y Hugo Santiago tomaron los estilos de Manuel Puig y Jorge Luis Borges respectivamente sin tomar ningún texto específico, sobre las estategias de Saer y el Borges crítico de cine.
hace 2 años por LuisFrancCine - 56 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Del dominio del mundo a la pregunta por las imágenes"
Tema del día: Fílmico y digital. Pasajes, tensiones, integraciones. Formas de recepción.
Piensa el tema con nosotros el investigador y archivista Hayrabet Alacahan.
Charlamos con el cineasta experimental y periodista Paulo Pécora, quien aporta su experiencia y su vínculo con los formatos.
hace 2 años, 7 meses por LuisFrancCine - 66 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Mas allá del cliché, la idea"
Tema del día: Aproximaciones al proceso de escritura de un guión cinematográfico. Preconceptos a trabajar. Tradiciones y conformación del mundo propio. Esquematismos de los guiones "bien hechos". El alma del guión.
Contamos con la palabra de Sebastian Caulier - docente de guión y cineasta - a propósito de una amplia y esclarecedora entrevista aparecida en la revista digital "Taipei" ("Mas allá del gusto personal") a cargo de Álvaro Bretal e Ivan Bustinduy. Luego aprovechamos para charlar con Älvaro Bretal - editor y redactor de la publicación - sobre los conceptos desplegados, para finalizar con la referencia al texto de su autoría "Los espacios resignificados". Cinco puertas a Takashi Ito", donde despliega un exhaustivo análisis de la obra del cineasta experimental japonés como ejemplo de un campo posible de apertura a los espectadores, con guiones que proponen nuevas dimensiones perceptuales.
hace 2 años, 7 meses por LuisFrancCine - 81 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Desnaturalizar el horror”.
Tema del día: El cine argentino que promueve simbólicamente o explícitamente la antipolítica, contemporáneamente promovida desde el neoliberalismo, sea a partir de la apología, naturalización o relativización de los años más oscuros del país o de la promoción de identificaciones con aspectos individualistas y discriminatorios.
Para aprovechar a fondo estos tópicos, conversamos con José Luis Visconti - Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en “Hacerse la crítica”; autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983” -, quien nos adelantó aspectos centrales de su próximo trabajo: “La década perdida: acercamientos a la antipolítica en el cine argentino 2009-2019”. Con él conversamos sobre cómo operan en ciertas películas del citado período la institución del otro como obstáculo, la justificación velada o manifiesta de la represión, torturas y asesinatos durante la dictadura cívico-militar 1976/1983, el borramiento de la historia y la política, los intentos de responsabilizar por igual a organizaciones armadas y aparato de Estado - cargando más las tintas sobre las primeras -, la licencia identificatoria a cometer actos violentos contra el prójimo, la promoción del individualismo y la desaparición de lo colectivo. También se refirió al BAFICI como marco elegido para el lanzamiento y promoción de varias de estas películas, a los cambios en dicho festival a partir de la asunción como jefe de gobierno de Mauricio Macri y reemplazo para la dirección de Fernando Martin Peña por Sergio Wolff y Marcelo Panozzo y al rol en aquellos tiempos de la revista “El Amante”.
Películas citadas: “El hombre de al lado” (Mariano Cohn/Gastón Duprat, 2009), “El ciudadano ilustre” (2016), “Secuestro y muerte” (Rafael Fillipelli, 2010), “El diálogo” (Carolina Azzi/Pablo Racioppi, 2014), “Eva no duerme” (Pablo Agüero, 2015), “Espacio gratuito. Cinco reglas para ganar una elección (Azzi, 2017), “El Olimpo vacío” (Azzi/Racioppi, 2013), “El estudiante” (Santiago Mitre, 2011), “La cordillera” (Mitre, 2017), “Relatos salvajes” (Damian Szifrón, 2014), “Esto no es un golpe” (Sergio Wolff, 2018), “El cuento de las comadrejas” (Juan José Campanella, 2019).
hace 1 año, 9 meses por LuisFrancCine - 30 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un sonido que ya pertenece al mundo"
Tema del día: ¿Cómo surge el tango? ¿Cuáles son sus marcas identitarias? El abrazo y el baile en los orígenes. Momentos históricos donde el tango estuvo en problemas: a principios del siglo veinte, en los años treinta y desde el 55 con el advenimiento de “Los jóvenes viejos”. La cultura del tango en la conformación de las imágenes cinematográficas argentinas. La impronta moral. Películas representativas de la temática del tango. Su influencia en la forma de aquellas.
En el primer tramo del programa, contamos con la palabra del Dr. en Ciencias Sociales, investigador y autor de variados estudios sobre filosofía, política y tango Gustavo Varela (@gustavovarelaok) a propósito de su texto “Tango y política. Sexo, moral burguesa y revolución en Argentina” (2016, Ediciones Ariel). El mismo trazó un panorama histórico-cultural del tango desde fines del siglo XIX hasta el período democrático de los años ochenta y el coletazo de la globalización y el neoliberalismo. Durante el segundo tramo charlamos con Adrián Muoyo (@adrianmuoyo) - periodista e investigador sobre tango y de articulaciones entre tango y cine, director de la Biblioteca INCAA – ENERC y redactor en “Hacerse la crítica” - quien se explayó sobre el tango como creación rioplatense, sobre como se expresa a través del cine, y sobre el caso de Carlos Gardel. Finalmente estableció una brecha que se inaugura en 1955, cuando entra en crisis el proyecto de un país soberano y el tango pasa a transformarse en resistencia cultural, expresada también en las ficciones.
Las películas representativas que se mencionan en el programa son “Tango!” (Luis Moglia Barth, 1933), “Puerto nuevo” (Luis César Amadori, Mario Soffici, 1936), “Sur” (Fernando Solanas, 1988) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1968) como contradiscurso. Además, se referencian a los textos de Muoyo “La otra dimensión del mito. Gardel y el cine” (https://hacerselacritica.com/la-otra-dimension-del-mito-gardel-y-el-cine-por-adrian-muoyo/) y “Puerto Nuevo (Amadori y Soffici, 1936) en la encrucijada de su tiempo” (http://orillera.undav.edu.ar/puerto-nuevo-amadori-y-soffici-1936-en-la-encrucijada-de-su-tiempo/).
hace 2 años, 3 meses por LuisFrancCine - 60 reproducciones
Entrevista Herman Schiller, periodista fundador del Movimiento Judío por los Derechos Humanos y del periódico Nueva Presencia. Conductor del programa radial "Leña al fuego"
Entrevista al sociólogo Patricio Brodsky, especialista en Genocidio, profesor universitario, periodista y escritor.
hace 2 años, 3 meses por LarryLevy - 13 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tensar la frontera de los géneros”.
Tema del día: De la mirada tradicional en el cine – apoyada en la confirmación y naturalización del mundo heterosexual como "orden natural" – a la apertura a cuerpos como multiplicidad.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Marco Berger (@marcobergercine), notable director argentino que trabaja en su obra la percepción del mundo gay - “Plan B” (2009), “Ausente” (2011), “Mariposa” (2015), “Taekwondo” (2016), “Un rubio” (2019) o “Gualeguaychú, el país del carnaval” (2021), entre otras - Marco se dedicó a brindar un amplio panorama de sus búsquedas de cámara, el trabajo con los cuerpos que habitan el cuadro cinematográfico, los tiempos de sus planos y la construcción de los espacios. Sobre el cierre de la entrevista, reflexionó sobre
Luego charlamos con Lucas Martinelli (@lucasmarciane), Dr. en Estudios de Género y Licenciado en Artes por la UBA, investigador en e, tituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Univ. De 3 de Febrero), compilador del texto ”Fragmentos de lo queer: arte en América Latina” y autor de “Rondas nocturnas. Sexo, exclusión y extravío en el cine argentino”, de próxima aparición. Lucas trazó un interesante panorama sobre las tradiciones de la imagen cinematográfica, sobre todo del cine argentino, marcando dos momentos clave: los años sesenta y los noventa. Durante la charla analizó películas como “Piel de verano” (Leopoldo Torre Nilson, 1961) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962). Luego de pasar por algunas reflexiones sobre el cine latinoamericano, nos dedicamos a abordar desde que lugares se establece o no el quiebre con las tradiciones en “Las hijas del fuego” (Albertina Carri, 2018) y en la obra de Pedro Almodovar.
hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 41 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tiempo y recepción”.
Tema del día: Diversas posibilidades del tiempo en el cine. Desde el más tradicional – tiempo lineal, de ritmo sostenido – hasta otras alternativas de quiebre con dicha costumbre. La forma-género, las posibilidades de apostar a la cadencia en el plano y las alternativas a lo mental.
Antes de meternos de lleno en el tema, entrevistamos a Horacio Mosquera – director del Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo -, quien nos actualizó sobre el sentido simbólico del museo, las refacciones que se están efectuando, las nuevas políticas de la institución y las actividades que se están llevando a cabo.
Luego continuamos con nuestro tema central con referencias a Henri Bergson y a los dos tomos de Gilles Deleuze sobre cine: “La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”, invitando luego a participar de la charla a Nicolás Zukerfeld (@nzukerfeld) - director de cine y profesor de la Universidad del Cine (FUC) en Historia del Cine 1, Guión 2 y Documental, miembro del staff de “Revista de Cine”, editado por la misma institución –, quien disparó su participación a partir de la experiencia en sus clases y la referencia al ineludible Alain Resnais. Luego, seguimos abordando el tema central haciendo eje en su última película “No existen 36 maneras de mostrar como un hombre se sube a un caballo” (2020).
hace 2 años por LuisFrancCine - 44 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tabula rasa vs. memoria"
Tema del día: Pensar las políticas estatales y privadas sobre conservación de material fílmico. Las películas como preservación de memoria de los pueblos y del cine. La temática en el seno del cine mismo, a partir de una película. Aproximación a una línea de tiempo histórica global y local en relación al tema. El Archivo Gráfico de la Nación como primera experiencia estatal de preservación de material cinematográfico, durante el primer peronismo.
En la primera parte contamos con la palabra del realizador, cineclubista, creador y programador del cineclub Dynamo Carlos Muller (@dynamocineclub), quien toma la problemática en sus manos a través de su documental “La vuelta de San Perón” (2021), donde seguimos su propio itinerario en busca del origen de un cortometraje sin créditos que llegó azarosamente a sus manos, sobre una mujer humilde con diecisiete hijos, quien espera en 1973 la vuelta de Perón de su exilio. Muller se explaya sobre su propia necesidad de hacer algo ese material, aspectos formales de su trabajo y sobre la diferencia entre lo que se dice y lo que se hace desde el Estado con respecto a la conservación.
Durante el segundo tramo conversamos con Laura Gomez (@preser.av)– preservadora y restauradora de material fílmico, investigadora y docente – quien nos actualizó sobre la preservación a nivel global como marco general, y especialmente en Argentina. En tal sentido, especificó sobre la creación del Archivo Gráfico de la Nación – especial momento histórico luego invisibilizado, en que se promovió la cuestión desde el aparato estatal - durante el primer peronismo. Y la relevancia de la Ley 25.119, impulsada por Pino Solanas y sancionada en 1999, la cual precisa hoy una reactualización. También nos contó sobre la importancia y urgencia de políticas en tal sentido, y en qué consiste el trabajo de preservación y restauración. Destacó también el rol de la Cineteca Vida y la Filmoteca Narcisa Hirsch, sitios en donde se destaca su trabajo.
hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 45 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Deconstruir la oscuridad”"
Tema del día: Pensar el cine de la dictadura cívico militar argentina 1976/1983. Su sistema simbólico, lo que tienen en común además de sus variados aspectos. El cine pos dictadura y su tendencia realista y discursiva, en paralelo a la conformación de imágenes alternativas, como el cine de Jorge Acha.
Entrevistamos a José Luis Visconti, Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en Hacerse la crítica. Autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983”. Con él recorrimos algunos puntos de este último trabajo, como las películas institucionales de Palito Ortega, la picaresca de Porcel y Olmedo, la exaltación de los servicios de inteligencia con la saga de los Superagentes y las publicidades de la época. Además destacó algunos casos a contracorriente, como el cine de Adolfo Aristarain.
Durante el segundo tramo conversamos con Pablo Piedras, Dr. En Filosofía y Letras (Artes combinadas – UBA), adjunto en la cátedra “Historia del cine latinoamericano y argentino”, investigador adjunto del CONICET. Autor de “El cine documental en primera persona” y de sendas compilaciones como la publicación “Jorge Acha, una eztetika sudaka”, donde se encuentra un trabajo suyo titulado “A contracorriente”, sobre la obra de este director. Con el recorrimos los modos en que el primer período democrático se acercó a la temática de la dictadura, por medio de los géneros tradicionales y el espectáculo, en contraposición al tratamiento de los cuerpos del prisionero en una celda y de su torturador con la gran película de Acha, “Habeas corpus” (1987). (la obra de este gran autor se puede visualizar completa en https://jorgeluisacha.wordpress.com/cine/peliculas/).
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 47 reproducciones
Editorial: “Del sentido común a la subjetividad”.
Tema del día: ¿Qué es la crítica? Pensar la crítica cinematográfica. Diversas aproximaciones al acto de la crítica. Críticos y espectadores. ¿Cómo abordar un material fílmico? La crítica en el tiempo. Crítica argentina.
En el primer tramo del programa charlamos con Paula Vazquez Prieto (@paulavazquezprieto) – ex redactora de “El Amante – Cine” - redactora en el suplemento Radar de Página/12 y La Nación y editora en “Hacerse la crítica” – quien nos compartió su modo de entender al acto de la crítica además de establecer los periodos centrales de la crítica de cine en las diferentes épocas. Luego pasamos por la diferencia entre crítica especializada y no especializada, las formas de la crítica contemporánea y el hecho del juicio valorativo. Sobre el final, reflexionamos sobre las politicas corporativas en algunos medios de comunicación.
En la segunda parte nos dedicamos a reflexionar sobre lo charlado con Paula durante el primer bloque del programa, tomando como eje los modos de acercamiento a la percepción de una película, de que hablamos cuando nos referimos a la estructura de un material, y lo que el material devela más allá de la misma. En los últimos minutos pensamos en la dificultad entre lo que a cualquier crítico/espectador le pasa con un film, en relación al hecho de que eso se constituya en una crítica.
hace 2 años por LuisFrancCine - 46 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Primeros relatos que gozan de buena salud"
Tema del día: Actualización de las estructuras míticas en el cine. La imagen del mito más extendido socialmente en la cultura occidental y en el cine: Cristo. Del Cristo canónico al Cristo revolucionario. Formas de la trascendencia. Los mitos paganos. El viaje iniciático y la figura del héroe. ¿Se puede pensar al cine sin el mito?
Contamos con la palabra de Gustavo Bernstein – escritor, periodista, director de cine – con quien conversamos sobre su texto “El rostro de Cristo en el cine. Una lectura cinematográfica del Evangelio”, centrándonos en las formas de Franco Zeffirelli, Carl T. Dreyer, Martin Scorsesse y Pier Paolo Pasolini, entre otros. Luego entrevistamos a Esteban Ierardo – filósofo, escritor, docente – quien nos amplió sobre la constitución de los mitos, sus referencias cinematográficas, los mitos paganos en el cine con el ejemplo de “Medea” de Pasolini, y sobre la forma más extendida del mito en el cine: el camino del héroe.
hace 2 años, 6 meses por LuisFrancCine - 68 reproducciones
Entrevista al artista plástico Daniel Santoro
hace 3 años, 8 meses por LarryLevy - 34 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Narración y percepción"
Tema del día: ¿Qué es el videoarte? Sus antecedentes. Integración de registros. Mundos comunes entre autores. Formas de percepción. Jerarquía del polo perceptual por sobre lo narrativo. Apogeo y muerte del video, y su actual reemplazo por el digital. El rol del cuerpo.
La idea del programa fue pensar el videoarte en general desde su recorrido en Argentina, y centrándonos en dos artistas emblemáticos. En tal sentido, durante la primera parte charlamos con los críticos Emilia Herrerías Martinez y Federico Bianchetti, sobre su texto en coautoría “Claudio Caldini, el jardinero del cine”, publicado en la revista digital Taipei (@taipeicritica). El texto completo sobre la obra de este artista central se puede leer aquí: (https://taipeirevista.com/index.php/2021/05/26/claudio-caldini-el-jardinero-del-cine/).
Durante el segundo tramo contamos con la presencia de Graciela Taquini (@taquinigraciela), pionera en el campo del videoarte argentino desde 1984 y docente media, universitaria y de posgrado, con un recorrido de más de treinta años en organismos culturales del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. La misma estableció un recorrido del videoarte en perspectiva histórica, refirió a su experiencia propia en el terreno, los nexos con otras tendencias contemporáneas – como las instalaciones -, la dimensión de la memoria como especial preocupación en su obra, y el papel del cuerpo. También presentó la agrupación de cineastas experimentales que integra, AREA (https://www.areaexperimental.com.ar/). La página de Taquini es http://www.gracielataquini.info/
hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 48 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “De espectáculos y Sueños”.
Tema del día: La herencia teatral del musical. La promoción de una ilusión. La creación de un mundo tan artificioso como verosímil. Praxis del musical. Componentes perceptuales a partir de la sonoridad y la organización de la puesta en escena de un musical.
En el primer tramo del programa conversamos con Agustina Buchbinder (@agusbuch) - Licenciada y Profesora en Letras por la UBA; docente de Lengua y Literatura en nivel medio e investigadora en teoría literaria y literatura española; crítica en Revista Encuadra (@revistaencuadra) donde dictó en Julio de 2021 el curso “Un gigantesco sueño: ideas sobre el musical”, y estudiante de comedia musical -. Con ella abordamos aspectos como el musical clásico del Hollywood de los años cincuenta, los juegos con el absurdo, la idea del verosímil que incluye un artificio expreso, el quiebre planteado en los sesenta y setenta con casos como “Wes side story” (Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) u “All that jazz” (Bob Fosse, 1979), el caso en los ochenta de “Little shop of horrors” (Frank Oz, 1986) y el concepto deleuziano de “sueño implicado” para pensar este género.
En el segundo tramo tuvimos la presencia de Augusto Sinopolli (@augusto.sinopoli) – Licenciado en Dirección Orquestal (UCA) e integrante de la Compañía Teatral Old Tempest (@oldtempest) a punto de estrenar su séptimo trabajo -. Con él conversamos del modo de estructurar un musical, de la incorporación al mismo de la danza, del canto, de los momentos de interrupción o de baja de la intensidad en medio del mismo espectáculo, de los aspectos que debe tener en cuenta un director de orquesta, del rol central de la voz y sus diversas posibilidades (como la voz en relación al canto, a la actuación, a los diferentes estados emocionales como los momentos meditativos, al uso de los leitmotiv en momentos específicos), de los modos de aparición de la ópera en el cine y los peligros en ciertos usos de tal género.
hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 18 reproducciones
Entrevista a Eduardo Vior, doctor en Ciencias Sociales y en Sociología. Periodista especializado en política internacional.
Entrevista a Jorge Kreyness, Analista político y Sec. de Relaciones Internacionales del Partido Comunista Argentino.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
Estoy convencido de que las generalizaciones suelen ser expresiones vacías, inciertas y en muchos casos injustas para los destinatarios de esa opinión amplificada y ligera. Sin embargo, me voy a permitir una licencia que... hasta podría descalificar mi propia opinión, pero me juego y la digo: a los argentinos nos interesan muy poco las noticias internacionales. Me incluyo para zafar de la soberbia semejante afirmación… y sé, de todos modos, que estoy exagerando. Sin embargo, el nivel de análisis periodístico y el poco interés que despiertan las noticias internacionales, dan cierta veracidad a esta afirmación. Que la situación no es casual, también es cierto.
Si comparamos la cantidad de noticias internacionales y la abundancia de análisis periodísticos serios en la prensa de otros países… la diferencia es abrumadora. Basta hojear los diarios o mirar los noticieros de televisión.
Desde el final de la Segunda Guerra Mundial se percibe con facilidad, que un estornudo en Europa puede ser una gripe en América, y que si hay fiebre en Oriente, la infección podría estar en Australia y así es la interacción política, bélica, económica, ambiental y un sinfín etcéteras.
Así se fue tallando y dando forma a la opinión pública internacional y con esta particularidad de la Argentina, donde el interés siempre fue escaso.
Pero con el avance de la tecnología... las comuncaciones acortaron la trayectoria de las palabras y... las consecuencias de los hechos que suceden en un extremo del mundo se sienten... casi al instante... del otro lado del planeta.
No vamos ni a resolver los problemas urgentes del mundo, y tampoco sabremos cómo solucionarlos, pero intentaremos, con nuestros invitados, conocerlos y quizás interesarnos en profundizar nuestra mirada en la geopolítica.
hace 1 año, 5 meses por LarryLevy - 11 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Los cuerpos del cine"
Tema del día: Aparición de los cuerpos en la pantalla. Cuerpos en su accionar; cuerpos en su materialidad.
Piensan el tema con nosotros el académico, crítico y analista Eduardo Russo - quien establece un recorrido desde Edison hasta el vínculo receptivo con los celulares, y cita el aporte de David Cronenberg - y el periodista y crítico Gastón Molayoli - con quien charlamos sobre sus trabajos en la página digital "Hacerse la crítica" sobre Agustina Comedi ("La imagen clandestina")y Pedro Costa ("El núcleo mítico")..
hace 2 años, 7 meses por LuisFrancCine - 65 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un espacio se puebla”.
Tema del día: De escenografías y puestas en escena. Pensamientos de los espacios en relación a las estructuras cinematográficas. Verosímiles del espacio, artificio, realismo. La disposición de los elementos. Creación de una atmósfera a partir del concepto de escenografía. El rol del vestuario.
Luego de trazar un panorama general sobre las posibilidades de la escenografía en relación a las estructuras en cine, consultamos a un profesional de varias décadas en lo que hace al diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo – quien cuenta entre sus maestros a Agustin Alezzo, Guillermo de la Torre y Susana Torres Molina; Mateo es además un director teatral de vasta experiencia (“Ojo al bagre”, “Ayer soñé con la muerte”, “Locas por Manuel”, “Mujeres porteñas”, “Puesta en claro”, “Puto”, entre otras); participa de Teatro Abierto 1983/84 y en Teatro por la Identidad, y hace una enorme carrera como escenógrafo y vestuarista en teatro y cine, con trabajos para Alejandro Tantanián, Arístides Vargas, Oscar Barney Finn, Osmar Nuñez, Lía Jelin, Bernardo Cappa y Gustavo Fontán -. La conversación se centró sobre todo en su mirada como escenógrafo, en la distinción entre escenografía y puesta en escena, en el pensamiento sobre un espacio escenográfico que proponga un reposicionamiento de los cuerpos en escena y del de los espectadores más allá de su habitual comodidad en la butaca, y en el espacio como invención. Como gran ejemplo, nos contó sobre sus trabajos con Gustavo Fontán, con eje en “El limonero real” y “La deuda”, y sobre su experiencia con Tantanian por un lado, y con “Teatro Abierto” por otro. Las referencias al papel del vestuario encontraron un interesante punto a la hora de clarificar las diferencias de búsqueda con verosímiles televisivos.
hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 35 reproducciones
Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Contra la naturaleza”.
Tema del día: Fronteras, tensiones y multiplicidades del cuerpo. El cuerpo universal como atentatorio a la tensión. Mundos queer. La recepción de lo queer.
Esta emisión se propone como extensión del Programa 22 (“Cine y diversidad sexual”), para centrarnos sobre todo en los mundos queer. Para ello, contamos con la presencia de Goyo Anchou (@goyoanchou) – director recibido en la Universidad del Cine (1991-1995); entre su producción se cuentan trabajos como “Safo” (2003), “La peli de Batato” (2011), “Heterofobia” (2015) y “El triunfo de Sodoma” (2020) - . El primer tramo de la charla se centra en reflexiones sobre la ausencia en Argentina de políticas estatales para la preservación de material cinematográfico. Luego Anchou se refiere a la figura de Batato Barea como mito, a la recepción de lo queer como acto de creación por parte de les espectadores, de las condiciones y el proceso de producción de “La peli de Batato”, de la gran entrevista a Alejandro Urdapilleta incluida en el filme (el crudo sin editar es imperdible: https://www.youtube.com/watch?v=YiZnst9NAAY). En el segundo tramo del programa nos dedicamos a pensar “El triunfo de Sodoma” (aquí, un texto sobre la película: https://hacerselacritica.com/20o-doc-buenos-aires-el-triunfo-de-sodoma-tensar-la-cuerda-normativa-por-luis-franc/). El director nos cuenta su trabajo de varios años para la concepción del material, nos narra la captación documental del momento inaugural de la película en el Encuentro Nacional de Mujeres en Mar Del Plata, la utilización en el material del slogan “Muerte al macho” como concepto, la pregunta sobre el arte que atraviesa el trabajo, las posibilidades de recepción del mismo y el juego que establece con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
En dos tramos del programa contamos también con la palabra de Enzo Monzón (https://www.enzomonzon.com/enzo) (@nzomonzon_audiovisuales) – realizador audiovisual rosarino, actual residente en Barcelona, entre sus trabajos se cuentan los cortometrajes “Radioactiva” (2017), “El drak de Miuka” (2018) y el largometraje “Reina hormona” (2021) – quien nos aporta sobre sus diferencias con el cine de Marco Berger, el rol del cuerpo, la diferencia entre lo trans y lo queer, lo no binario, el drag queen, la apertura del mundo LGTB hacia lo cinematográfico en modo extendido, los embarazos masculinos y sus trabajos a modo de homenaje sobre la figura de Pedro Almodovar. Nos ejemplificó su exposición con algunos de sus trabajos.
hace 1 año, 7 meses por LuisFrancCine - 23 reproducciones
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